A SNK anunciou que a trilha sonora completa de FATAL FURY: City of the Wolves já está disponível nas principais plataformas de streaming de música. Com um total de 97 faixas, o álbum reúne toda a energia sonora que acompanha os confrontos em South Town, incluindo a música-tema oficial do jogo, "Chain Reaction", que também ganhou um lyric video especial publicado no canal oficial da empresa.
Desde o dia 3 de junho, a SNK iniciou a disponibilização gradual da trilha sonora em serviços como Spotify, Apple Music, YouTube Music, Amazon Music e outras plataformas digitais. A iniciativa permite que fãs da franquia e jogadores possam reviver os momentos mais marcantes das batalhas de City of the Wolves mesmo longe dos controles.
A disponibilidade das músicas pode variar de acordo com a região e o serviço utilizado, mas a expectativa é que o catálogo seja expandido continuamente ao longo dos próximos meses.
Entre os destaques do lançamento está "Chain Reaction", tema principal de Fatal Fury: City of the Wolves. A faixa representa a identidade moderna do novo capítulo da franquia e reforça o clima intenso e competitivo das lutas em South Town.
Para celebrar a chegada do álbum aos serviços de streaming, a SNK também lançou um lyric video oficial da música, permitindo que os fãs acompanhem a letra enquanto apreciam a canção que se tornou um dos símbolos desta nova fase da série.
Embora o álbum já conte com 97 faixas, a SNK confirmou que algumas músicas relacionadas aos conteúdos da Temporada 2 ainda não foram incluídas nesta primeira versão. A empresa pretende adicionar novas composições futuramente, ampliando ainda mais o catálogo disponível para os ouvintes.
A estratégia faz parte do plano da SNK de fortalecer suas propriedades intelectuais e ampliar a presença de suas franquias em diferentes plataformas de entretenimento, aproximando ainda mais os jogadores de seus universos favoritos.
Lançado em abril de 2025, Fatal Fury: City of the Wolves marcou o retorno da franquia após mais de duas décadas desde Garou: Mark of the Wolves. O jogo trouxe um novo estilo visual, o Sistema REV, modos de controle voltados tanto para veteranos quanto para iniciantes e uma campanha que expandiu ainda mais os acontecimentos em South Town.
Agora, com sua trilha sonora disponível para streaming, os fãs têm uma nova forma de reviver os momentos mais intensos do game e acompanhar a evolução musical de uma das franquias mais tradicionais dos jogos de luta.
A trilha sonora completa já pode ser encontrada nas principais plataformas digitais, enquanto novas faixas devem ser adicionadas em futuras atualizações do catálogo musical da SNK.
O Anime Friends 2026 anunciou mais uma atração de peso para o AF Festival, que acontece de 2 a 5 de julho, no Distrito Anhembi, em São Paulo. A banda japonesa MUCC se apresenta na sexta-feira, 3 de julho, levando ao público brasileiro a força do visual kei e quase três décadas de trajetória no rock japonês. Os ingressos já estão à venda.
Formado em 1997, na província de Ibaraki, o MUCC é composto por Tatsurō (vocal), Miya (guitarra) e YUKKE (baixo). Ao longo da carreira, o grupo se consolidou como um dos principais representantes do visual kei, explorando sonoridades que transitam entre rock alternativo, metal e experimentações que expandiram sua identidade artística.
Com presença internacional consistente, a banda já realizou cerca de 150 apresentações em 13 países, passando pela Europa, América, China, Rússia e América do Sul. O MUCC também integrou line-ups de festivais como o Wacken Open Air, o Sweden Rock Festival e o Tuska Open Air.
No universo dos animes, o grupo marcou presença com músicas como “Nirvana”, abertura de Inu x Boku SS; “Mother”, tema de encerramento de Naruto Shippuden; e “Classic”, de Nanatsu no Taizai: Seisen no Shirushi, além de participações em trilhas de Zombie-Loan, Senkou no Night Raid, Megane-bu! e Kindaichi Shounen no Jikenbo Returns.
Na sexta-feira, o MUCC divide o palco com a banda HANABIE., consolidando o dia mais pesado desta edição. A programação musical do evento também inclui nomes como ASIAN KUNG-FU GENERATION. Entre os convidados especiais estão Nozomu Sasaki, Mika Chiba, Ryoma Sasaki e Ryusei Nakao, conhecido por dar voz a personagens em Dragon Ball e Bleach.
Os ingressos estão disponíveis online e em pontos de venda físicos em São Paulo.
Bad Bunny entregou, neste último domingo (08), exatamente o que se esperava do show mais aguardado do Super Bowl 2026: afronta, coragem, identidade, originalidade e, acima de tudo, orgulho latino. Sua apresentação foi muito mais do que um espetáculo musical, foi um manifesto cultural e político em pleno palco do maior símbolo do entretenimento estadunidense.
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Em meio aos atuais conflitos internos dos Estados Unidos, marcados por protestos contra as operações do ICE e pelas ações do governo de Donald Trump, cresce um clima de tensão social sem precedentes. Artistas de diferentes áreas vêm se posicionando contra essas políticas, e Bad Bunny se destacou ao levar essa resistência justamente ao evento que simboliza o nacionalismo americano.
A noite teve início com o Green Day, que manteve sua essência punk ao não poupar críticas ao governo atual. Com clássicos como American Idiot e Boulevard of Broken Dreams, a banda aqueceu o público e reforçou o tom político que marcaria o evento.
Falando do real protagonista da noite
Mas o verdadeiro protagonista da noite foi Benito. Bad Bunny apresentou uma performance profundamente conectada à história e à vivência latina. O cenário, que remetia a plantações de cana-de-açúcar, evocou um passado marcado pela exploração da mão de obra latina, uma escolha simbólica que funcionou como denúncia e lembrança de que os latinos também ajudaram a construir os Estados Unidos.
Outro momento marcante foi a homenagem às profissões majoritariamente ocupadas por latinos no país, sobretudo no setor de serviços. A apresentação escancarou uma realidade social: muitos imigrantes encontram oportunidades apenas nesses espaços, sustentando uma economia que raramente os reconhece. Ao mesmo tempo, o show exaltou valores centrais da ancestralidade latina, como família, coletividade, afeto, sensualidade, alegria e conexão humana.
O figurino, o cenário e a concepção visual dialogam diretamente com o álbum mais recente do cantor, trabalho amplamente premiado no Grammy. Os dançarinos, em coreografias precisas e cheias de energia, traduziram a força do reggaeton (ritmo que carrega identidade, resistência e sensualidade).
Um dos momentos mais comentados da noite foi a realização de um casamento em pleno palco. O que muitos pensaram ser apenas cenografia revelou-se um casamento real. Segundo informações divulgadas, o casal havia convidado o cantor para a cerimônia, mas Bad Bunny os surpreendeu ao convidá-los para se casar durante seu show, transformando o ato em mais um símbolo de celebração coletiva.
Assim como todo grande evento, contou com apresentações especiais
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A apresentação também contou com participações especiais de artistas latinos. Pedro Pascal, conhecido crítico do governo Trump, apareceu em cena, assim como Cardi B e Karol G. Houve ainda a presença marcante do porto-riquenho Ricky Martin e uma aparição surpresa de Lady Gaga, que dividiu o palco ao som de Die With a Smile, em uma versão remixada com influências latinas.
Benito Vs. Donald Trump
A grande expectativa era se Bad Bunny faria uma declaração direta contra Trump em um evento historicamente associado ao patriotismo estadunidense. A resposta foi afirmativa, mas feita com classe. Sem discursos inflamados, Benito reafirmou sua postura ao lembrar que “ódio se combate com amor”, frase já dita por ele ao receber seu Grammy. Em um gesto simbólico, o cantor entregou sua estatueta para a criança latina, numa crítica direta aos recentes casos envolvendo detenções de crianças latinas.
No encerramento, Bad Bunny declarou em espanhol: “Deus abençoe a América”, mas não se resumiu a essa frase, o cantor complementou citando todos os países, do Sul ao Norte, incluindo o Brasil, gesto significativo em meio às discussões que ocorrem no meio latino, sobre o seu pertencimento à comunidade, devido à língua portuguesa ser o idioma usado, e não um idioma de base espanhola, como a maioria dos países do continente.
Em seu último ato, dançarinos e elenco tomaram o palco com bandeiras de todos os países latino-americanos, vestidos como seus povos, transformando o estádio em um grande símbolo de união e orgulho.
Confira a setlist da apresentação:
Tití Me Preguntó
Yo Perreo Sola
Safaera
Party
Voy a Llevarte Pa PR
Eoo
Monaco
Die With a Smile
Baile Inolvidable
Nuevayol
Lo Que Le Pasó a Hawaii
El Apagón
Café Con Ron
DTMF
No fim, o show de Bad Bunny foi um grito de patriotismo latino e uma celebração da verdadeira identidade americana, a de um continente rico em história, ancestralidade, música e cultura. Mais do que entreter, Benito transformou o Super Bowl em palco de afirmação, memória e resistência.
Banda japonesa será headliner da sexta-feira (3) e evento terá horário especial até 23h
O Anime Friends anunciou a banda japonesa Hanabie. como a primeira atração musical confirmada do AF Festival 2026, festival de música que acontece dentro do evento. O grupo será o headliner da sexta-feira, 3 de julho, prometendo o dia mais intenso da programação musical. A venda de ingressos começa nesta sexta-feira (6), ao meio-dia.
Formada em Tóquio em 2015 por um grupo de amigas ainda no ensino médio, a Hanabie. se consolidou como um dos principais nomes da nova geração do metal japonês. O reconhecimento internacional veio com uma forte presença nas redes sociais, especialmente no YouTube e no TikTok, e foi ampliado em 2023, quando a banda assinou com a Epic Records Japan, selo da Sony Music Japan.
Atualmente, a formação conta com Yukina (vocais), Matsuri (guitarra e vocais), Hettsu (baixo) e Chika (bateria). A banda se destaca pela identidade autoral e pela participação ativa das integrantes na criação musical, estética e conceitual do projeto.
A sonoridade da Hanabie. mistura metalcore, hardcore punk, nu metal e elementos eletrônicos, resultando no chamado Harajuku-core, estilo criado pela própria banda que une o peso do metal à estética colorida e irreverente do bairro de Harajuku, em Tóquio. Ao vivo, o grupo é conhecido pelo contraste entre riffs agressivos, vocais intensos e melodias pop, criando apresentações marcadas por alta energia.
A relação da banda com o universo dos animes também é direta. A Hanabie. é responsável por “Tasty Survivor (Oishii Survivor)”, tema de abertura do anime Momentary Lily, e por “Karu Garu Everyday!!”, música tema de Araiguma Calcal-dan.
Sexta-feira terá horário estendido
A organização do Anime Friends confirmou que a sexta-feira (3 de julho) contará com horário especial, com funcionamento das 11h às 23h. A mudança permite que o público aproveite a programação completa do evento e encerre a noite com o show da atração principal do AF Festival.
Segundo Juliano Aniteli, CEO da Maru Division, organizadora do evento, o anúncio marca o início da primeira leva de atrações confirmadas para 2026 e indica uma edição com foco reforçado na música pop asiática.
Serviço — Anime Friends 2026
Data: 2 a 5 de julho de 2026 Local: Distrito Anhembi — Rua Prof. Milton Rodrigues, s/n, Santana, São Paulo
Ingressos: à venda a partir de 6 de fevereiro, às 12h, pela Ticket360 e pontos físicos:
Sugoi City — Galeria Sogo Plaza (Rua Galvão Bueno, 40 – Mezanino – Liberdade)
Akiba Station — Rua Thomaz Gonzaga, 18 – Liberdade
Composta por Hitoshi Sakimoto, coletânea reúne 54 faixas que traduzem a atmosfera encantadora da Vila Shinju
A trilha sonora oficial de Towa and the Guardians of the Sacred Tree, composta pelo renomado Hitoshi Sakimoto, já está disponível nas principais plataformas de música digital, incluindo Spotify, Apple Music e iTunes, sob o selo Bandai Namco Game Music. A coletânea reúne 54 faixas que capturam as melodias e emoções da Vila Shinju, coração do universo do jogo.
Como parte do lançamento, a Bandai Namco divulgou um vídeo especial de speedpainting, mostrando um dos artistas do jogo criando uma ilustração dos personagens ao som do tema principal da vila.
Misturando ação intensa, arte desenhada à mão e cenários ricamente pintados, Towa and the Guardians of the Sacred Tree apresenta uma jornada visual e sonora marcante. O título se destaca por sua trilha assinada por Sakimoto, conhecido por seus trabalhos em Final Fantasy Tactics, Valkyria Chronicles e Tactics Ogre, que reforça a atmosfera mágica e emocional da aventura.
Ambientado em uma terra distante, o jogo acompanha Towa, sacerdotisa da pacífica Vila Shinju, que reúne oito companheiros para enfrentar as forças malignas de Magatsu, determinadas a dominar o mundo.
Towa and the Guardians of the Sacred Tree está disponível para todas as plataformas. Para mais informações sobre o jogo, acesse o site oficial.
Compositor de Sonic Mania e Streets of Rage 4 mostra batidas eletrizantes inspiradas na nova fase do clássico ninja da SEGA
A SEGA divulgou uma performance especial do compositor Tee Lopes, responsável pela trilha sonora de SHINOBI: Art of Vengeance, ao lado do lendário Yuzo Koshiro. No vídeo, Tee assume o papel de DJ e apresenta remixes exclusivos com os ritmos e melodias do aguardado retorno da icônica série SHINOBI.
A nova trilha combina elementos clássicos das músicas originais com uma abordagem moderna e vibrante, refletindo a fusão entre o estilo retrô da franquia e o dinamismo das produções atuais. O resultado é uma trilha sonora que preserva o espírito da SEGA dos anos 80 e 90, enquanto atualiza sua energia para uma nova geração.
Tee Lopes já é conhecido dos fãs por suas colaborações marcantes com a SEGA, incluindo as trilhas de Sonic Mania, Streets of Rage 4 e outros títulos que resgataram o estilo sonoro característico da era de ouro dos videogames.
O vídeo completo da performance de SHINOBI: Art of Vengeance já está disponível online e pode ser conferido abaixo.
A década de 2010 marcou um ponto decisivo para o rock: o gênero experimentou uma renovação de formas e públicos, impulsionada por novas plataformas de consumo e pela circulação instantânea de conteúdo. Hits que se tornaram virais tanto nas ondas do rádio e na televisão quanto em outras mídias, como o YouTube, Amazon Music e Spotify. Nascidos em playlists, compartilhados em redes sociais, amplificados por videoclipes e apropriados por comunidades online, agora traremos também para o site da Revista Jovem Geek! Vamos relembrar os grandes hits virais da década?
Na Na Na
Para a felicidade dos emos de plantão, abrimos a lista com um dos maiores hinos do My Chemical Romance! Lançada em novembro de 2010, o hit faz parte do álbum Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys e marcou um momento cheio de energia na carreira da banda. O single rapidamente conquistou espaço, chegando ao topo da UK Rock & Metal Chart e alcançando também a posição #31 no UK Singles Chart. Mais de uma década depois, a canção continua conquistando novas gerações e seu o clipe oficial já soma mais de 96 milhões de visualizações no YouTube.
The Beginning
Lançado em 2012, o hit é o sétimo single da banda de rock japonesa One Ok Rock e foi escolhida como tema oficial do filme live-action Rurouni Kenshin, o que ampliou ainda mais sua popularidade dentro e fora do Japão. O single recebeu a certificação de download digital em Ouro pela Recording Industry Association of Japan, com mais de 100.000 vendas. Comercialmente, obteve grande destaque: alcançou a posição #2 na Billboard Japan Hot 100, onde permaneceu por 45 semanas consecutivas, e chegou também ao 5º lugar na parada da Oricon, permanecendo no ranking por 20 semanas. O sucesso consolidou a banda como um dos maiores nomes do rock japonês da década.
Burn It Down
Lançada em 2012 pela banda estadunidense Linkin Park, a faixa do álbum Living Things conquistou rapidamente o público, alcançando o #1 na parada Billboard Hot Rock & Alternative e também o #1 no UK Rock & Metal Chart. Eu sou completamente suspeita para falar sobre a banda, mas como não se apaixonar pelas músicas intensas que eles entregam? Não é à toa que se transformaram em verdadeiros hits, alcançando enorme sucesso comercial.
Ho Hey
Lançada em abril de 2012 pela banda norte-americana de folk rock The Lumineers, a canção rapidamente ganhou projeção internacional, viralizando mundialmente em 2013 tanto nas rádios quanto nas plataformas de streaming. A faixa integra o álbum de estreia homônimo da banda, The Lumineers, e contribuiu significativamente para consolidar o grupo como uma referência no cenário contemporâneo do folk rock.
Radioactive
Lançada em 2012 pela icônica banda norte-americana Imagine Dragons, a canção tornou-se um enorme sucesso no gênero pop rock. Alcançou a terceira posição na Billboard Hot 100 e foi reconhecida como a faixa de rock mais vendida digitalmente na história dos Estados Unidos. O êxito da música rapidamente se estendeu internacionalmente, conquistando grande popularidade também no Brasil.
Counting Stars
Lançada em 2013 pela banda norte-americana de rock OneRepublic, a canção Counting Stars conquistou rapidamente o público mundial, alcançando o topo das paradas musicais no Reino Unido e no Canadá, além de atingir a segunda posição nos Estados Unidos. Seu impacto foi tão expressivo que a obra ultrapassou o âmbito das rádios e plataformas de streaming, consolidando-se também no YouTube, onde figura entre os vídeos de maior sucesso da plataforma, somando mais de 4 bilhões de visualizações.
Shut Up and Dance
Lançada em setembro de 2014, a canção Shut Up and Dance rapidamente se tornou um verdadeiro sucesso, animando festas e conquistando o público mundial. Interpretada pela banda norte-americana de rock Walk The Moon, a faixa destacou-se como o maior êxito do grupo, alcançando a quarta posição na Billboard Hot 100 e atingindo o topo da parada alternativa nos Estados Unidos.
Throne
Lançada em 2015 pela banda britânica Bring Me the Horizon, a faixa do álbum That’s the Spirit marcou um retorno explosivo do grupo ao cenário internacional, consolidando uma nova fase em sua sonoridade. De acordo com a Sony Music, o single estreou como Hottest Record no programa da Annie Mac, na Radio 1, e rapidamente conquistou uma resposta avassaladora dos fãs. O impacto foi tão grande que a música se destacou e virou tendência nas redes sociais, ganhando milhões de visualizações no YouTube em apenas 72 horas.
Drown
Também presente no álbum That’s the Spirit (2015) de Bring Me the Horizon, o single foi um dos grandes responsáveis por impulsionar a popularidade da banda e dominar as paradas de rock. Além disso, alcançou o topo do UK Rock & Metal Chart, um marco importante na carreira do grupo. O sucesso digital também foi impressionante: a canção ultrapassou a marca de 100 milhões de reproduções em plataformas de streaming.
Believer
Pop rock que se tornou um verdadeiro hit em 2017! Provavelmente, vocês vão se cansar de ver tantos hits do Imagine Dragons na lista, mas a banda continua sendo um dos maiores sucessos da atualidade. A canção Believer destacou-se pelo seu desempenho comercial, alcançando a quarta posição na Billboard Hot 100 e figurando entre os singles mais vendidos nos Estados Unidos naquele ano, assim como por sua presença marcante na mídia, utilizada em diversas campanhas publicitárias. Além disso, a faixa consolidou-se no ambiente digital, acumulando mais de 2 bilhões de visualizações apenas no YouTube.
Whatever It Takes
Lançada em 2017, a canção Whatever It Takes de Imagine Dragons tornou-se um enorme sucesso comercial, conquistando rapidamente a admiração dos fãs e ganhando destaque por sua energia contagiante. Além disso, foi amplamente utilizada em campanhas publicitárias, o que contribuiu ainda mais para sua popularidade e alcance mundial.
Thunder
Para terminarmos de “enjoar” de Imagine Dragons, Thunder foi lançada em abril de 2017 e alcançou um sucesso semelhante ao de Believer. A faixa rapidamente se destacou por seu ritmo contagiante e melodia marcante, tornando-se extremamente “chiclete” e permanecendo na mente dos fãs por muito tempo.
Te Conecta
Canção da Pitty, cantora brasileira de rock, lançada como single promocional de seu quinto álbum de estúdio, Matriz, oficialmente lançado em setembro de 2018. Conforme o Portal dos Famosos, a faixa conquistou a certificação de “single de ouro”, ao acumular mais de 8 milhões de streams, o que equivale a cerca de 40 mil cópias vendidas. Nessa música, Pitty explora uma sonoridade diferente do seu repertório tradicional, incorporando influências do gênero musical dub.
Feel It Still
Lançada em 2017 pela banda norte-americana de rock psicodélico Portugal. The Man, a canção não alcançou os mesmos números estrondosos de hits do Imagine Dragons, mas obteve considerável sucesso nas rádios e conquistou reconhecimento crítico significativo. Em 2018, a faixa foi premiada com o Grammy de “Melhor Performance Pop Duo/Grupo”.
High Hopes
Lançada em 2018 pela (agora extinta) banda de pop rock Panic! at the Disco, a canção destacou-se como um dos maiores sucessos do grupo, alcançando a quarta posição na Billboard Hot 100, a maior colocação da banda na parada principal. Além disso, a faixa liderou a Hot Rock Songs por impressionantes 65 semanas.
Popular Monster
Agora, finalizaremos nossa lista com Falling In Reverse! Lançada em novembro de 2019 pela banda americana de metalcore, o hit se tornou rapidamente um marco na carreira do grupo. Também alcançou a quarta posição na Billboard Hot Rock & Alternative Songs no final de 2019 e ainda garantiu o primeiro lugar na Mainstream Rock, consolidando o enorme impacto que teve logo após o lançamento. Inicialmente divulgada como single independente, a faixa emblemática foi posteriormente escolhida como título do quinto álbum de estúdio da banda.
Segundo o portal Letras, a música traz uma forte inspiração no filme Coringa (2019), protagonizado por Joaquin Phoenix, refletindo temas de caos interno, dor e identidade, que dialogam diretamente com o tom sombrio e visceral da canção.
Acredita que esquecemos de algum hit da década de 2010? Se sim, nos conte aqui nos comentários! Aproveite para contar para a gente quais suas bandas favoritas!
A Blumhouse Games e a Vermila Studios comemoraram um marco importante para Crisol: Theater of Idols: o jogo de ação e terror em primeira pessoa ultrapassou 100.000 adições à lista de desejos no Steam. Para celebrar, os fãs já podem ouvir no YouTube a música “El Enamorado y la Muerte”, composta por Xavi Qués e interpretada por Celica Soldream.
Blumhouse/Divulgação
A canção, de atmosfera sombria e intensa, combina elementos do folclore espanhol com uma carga emocional quase poética, capturando perfeitamente o espírito de Tormentosa, cenário principal do jogo. Segundo o diretor criativo David Tornero, a ideia era criar algo “profundamente espanhol, mas verdadeiramente único”, resgatando a poesia clássica e traduzindo-a em música contemporânea com um toque sombrio.
Um terror que respira cultura
Anunciado em 2025, Crisol: Theater of Idols chama atenção por misturar folclore, terror psicológico e ação em primeira pessoa. O título será lançado em 2026, com dublagem em inglês e espanhol. Entre as vozes confirmadas estão AmaLee (One Piece Film: Red, Honkai: Star Rail) e Luis Bermudez (Call of Duty: Black Ops 6), além de Henar Hernández e Mario García na versão espanhola.
Para quem quiser experimentar antes do lançamento, uma demo já está disponível no Steam só clicar aqui.
O que esperar?
Com cenários marcados por rituais macabros e criaturas grotescas, o jogo promete um mergulho na tradição espanhola reinterpretada em forma de horror moderno. A trilha sonora, inaugurada por “El Enamorado y la Muerte”, dá uma boa amostra do clima que os jogadores podem esperar: opressivo, poético e perturbador.
E, segundo a Blumhouse, mais faixas de seu catálogo de jogos devem ser lançadas futuramente — uma boa notícia para quem gosta de viver o terror não apenas na tela, mas também nos fones de ouvido.
Quer ouvir a música? Clique aqui e confira no canal oficial da produtora no YouTube.
Rick Davies do Supertramp. Créditos: Wikimedia Commons
Rick Davies, um dos membros fundadores da icônica banda britânica Supertramp, faleceu aos 81 anos no dia 6 de setembro de 2025. Conforme o portal Nave Criativa, o músico havia sido diagnosticado em 2015 de câncer na medula óssea. A notícia foi oficialmente confirmada pela banda em um comunicado publicado no Facebook, que também trouxe uma referência a um de seus maiores sucessos, Goodbye Stranger. Em reconhecimento à importância de sua carreira e à influência duradoura de seu trabalho, nós, da Revista Jovem Geek, decidimos neste mês produzir uma reportagem especial, celebrando a trajetória artística de Rick Davies.
Uma Breve Retrospectiva
Rick Davies de Supertramp em 1975. (Fin Costello / Redferns via Getty Images)
Nascido em 1944 na cidade de Swindon, na Inglaterra, Rick Davies é filho de uma cabeleireira e de um marinheiro. Demonstrando interesse pela música desde cedo, iniciou sua trajetória artística ainda na adolescência, em 1959, e formou sua primeira banda em 1962, marcando o início de uma carreira que viria a se destacar no cenário musical internacional. Rick ficou famoso por seus solos de piano de blues rítmico e composições de rock progressivo. Além disso, ele era compositor e muitas vezes é lembrado por suas letras cínicas.
Em 1969, aos 25 anos, Rick Davies fundou a icônica banda Supertramp ao lado de Roger Hodgson, após publicar um anúncio em busca de músicos interessados em compartilhar sua visão musical. Segundo informações do portal G1, o grupo chegou a adotar o nome provisório Daddy antes de definir o nome que se tornaria mundialmente reconhecido.
O álbum de estreia da banda foi lançado em 1970, estabelecendo as bases do estilo único do Supertramp, que mesclava rock progressivo com elementos pop e psicodélicos. Ao longo dos anos, Rick Davies consolidou-se como vocalista em diversas faixas, interpretando canções que se tornaram clássicos, como Bloody Well Right, Goodbye Stranger e Crime of the Century, contribuindo significativamente para o legado duradouro da banda na história da música.
A banda inglesa Supertramp conquistou reconhecimento internacional com álbuns emblemáticos, como Crime of the Century (1974) e Breakfast in America (1979), este último responsável por sucessos memoráveis como “The Logical Song” e “Take the Long Way Home”. Tais trabalhos consolidaram o grupo como uma das principais referências do rock progressivo e pop da época, marcando profundamente a cena musical mundial.
Rick Davies destacou-se por sua presença constante, sendo o único integrante a participar de toda a trajetória da banda. Após a saída de Roger Hodgson em 1983, Davies assumiu plenamente a liderança do Supertramp, conduzindo o grupo e lançando mais quatro álbuns, mantendo a essência musical que o consagrou e garantindo a continuidade de seu legado artístico. Além disso, músico era dono da Rick Davies Productions, que era a detentora legal da marca registrada Supertramp.
Entre 2012 e 2015, o grupo entrou em mais um período de hiato, embora alguns dos integrantes tenham continuado a desenvolver projetos individuais e a se reunir ocasionalmente para apresentações e shows, mantendo viva a essência e a conexão com os fãs.
De acordo com o portal G1, o músico Rick Davies precisou cancelar uma turnê em 2015 após receber o diagnóstico de mieloma múltiplo, um tipo de câncer no sangue. Ele faleceu em 6 de setembro de 2025, aos 81 anos, em sua residência em East Hampton, Nova York, em decorrência de complicações causadas pela doença.
A ATLUS divulgou o primeiro videoclipe oficial de Persona 3 Reload, trazendo a música de maior sucesso da trilha sonora do RPG: “It’s Going Down Now”. O clipe mistura cenas live-action com imagens do jogo e animações inéditas, e conta com a participação de Lotus Juice, Azumi Takahashi e Toshiki Konishi, da equipe de som da desenvolvedora.
Indicada ao prêmio Top Global Hit do Japão no Music Awards Japan 2025, a faixa acumula mais de 100 milhões de reproduções no Spotify, sendo a mais tocada da trilha sonora de Persona 3 Reload. O álbum do jogo também venceu a categoria de streaming no PlayStation Game Music Awards 2024.
Lançado como uma reimaginação moderna do clássico que redefiniu o gênero RPG, Persona 3 Reload conquistou a crítica com médias de 86 (Xbox), 89 (PC) e 87 (PS5) no Metacritic. O título traz gráficos atualizados, batalhas reformuladas e nova dublagem em inglês.
Uma demo gratuita já está disponível para Nintendo Switch 2, enquanto o lançamento completo nessa plataforma está marcado para 23 de outubro de 2025. O jogo também pode ser jogado atualmente em Xbox Series X|S, Xbox One, Windows, Steam, PlayStation 5 e PlayStation 4.
O videoclipe oficial de “It’s Going Down Now” já pode ser assistido no canal oficial da ATLUS.
A Cinemark confirmou sua participação na segunda edição do The Town, que acontece em São Paulo nos dias 6, 7, 12, 13 e 14 de setembro, na Cidade da Música, no Autódromo de Interlagos. A rede de cinemas promete levar experiências imersivas e produtos exclusivos para o público do festival.
Entre as novidades, dois estandes temáticos inspirados em “Tron: Ares” e “Anaconda”, filmes que chegam aos cinemas ainda este ano. Além disso, a Cinemark apresentará um balde colecionável oficial do The Town 2025, com detalhes em LED e tirante personalizado, que poderá ser adquirido nos espaços da marca por R$ 59 (com pipoca) ou R$ 49 (avulso). A tradicional pipoca da rede também estará à venda durante todo o evento.
Segundo João Vitor Trevisan, Diretor de Alimentos e Bebidas da Cinemark, a iniciativa busca reforçar a conexão da rede com o público além das salas de cinema:
The Town/Divulgação
“O The Town vai ao encontro da nossa missão de oferecer experiências marcantes que vão além da tela. Neste ano, queremos que o público viva a experiência completa do festival conosco. O balde oficial foi pensado para acompanhar cada fã de forma prática, versátil e com muito estilo.”
A identidade visual dos estandes foi desenvolvida pela agência Essenza, enquanto a construção e cenografia ficaram a cargo da nSco/naSala.
Cinemark no The Town 2025
Datas: 6, 7, 12, 13 e 14 de setembro Local: Cidade da Música – Autódromo de Interlagos (SP) Atrações: Estandes temáticos de “Tron: Ares” e “Anaconda”, pipoca oficial da rede e balde colecionável exclusivo
O DJ e produtor Don Diablo, referência mundial na música eletrônica, acaba de lançar o videoclipe de seu novo single “BLACKOUT”, marcado pelo uso intensivo de inteligência artificial generativa. O artista utilizou recursos avançados da NVIDIA para criar um universo visual cinematográfico e imersivo, que reflete sua identidade artística de forma única.
Ambientado em um armazém industrial, o clipe combina cenas estilizadas com animações criadas por IA, fruto de um processo híbrido que uniu ferramentas locais e em nuvem. A produção foi desenvolvida em um desktop equipado com uma GPU NVIDIA GeForce RTX 5090, e a renderização final ficou por conta da Kling AI, plataforma de vídeo generativo baseada em nuvem.
Segundo Diablo, a escolha por esse tipo de tecnologia visava ampliar os horizontes criativos. “Trabalhar com essas novas ferramentas de IA é literalmente como entrar na minha própria mente. Conseguimos elevar o nível criativo, moldar os visuais em tempo real e manter o foco na história”, disse o artista.
Criação visual com controle total
O desenvolvimento das imagens foi realizado por meio do ComfyUI, uma interface visual que permite criar e personalizar fluxos de trabalho com IA generativa de forma intuitiva. Utilizando diferentes modelos e técnicas, a equipe pôde iterar rapidamente sobre os conceitos visuais até atingir o resultado desejado.
Para garantir que os visuais mantivessem a identidade de Don Diablo, foi criado um modelo personalizado treinado com dados faciais do próprio artista. A integração desse modelo ao pipeline de geração de imagens com Difusão Estável garantiu consistência nos traços e estilo ao longo de todo o vídeo.
O passo final foi animar essas imagens com o Kling AI, que aproveitou recursos avançados de física e cinematografia para transformar os quadros estáticos em cenas dinâmicas e envolventes.
O poder criativo da IA
A combinação da GPU GeForce RTX 5090 com ferramentas como o ComfyUI e o Kling AI permitiu à equipe não apenas acelerar o processo criativo, mas também manter controle total sobre os resultados. Esse fluxo de trabalho ilustra como artistas podem unir hardware local e soluções em nuvem para produzir conteúdos sofisticados de forma ágil e personalizada.
A iniciativa também destaca o potencial da IA generativa no universo das artes visuais e da música, ampliando as possibilidades para criadores que buscam novas formas de expressão.
O videoclipe de "BLACKOUT" já está disponível nas plataformas digitais. Para mais informações sobre as ferramentas utilizadas por Don Diablo, acesse a plataforma NVIDIA Studio.
Rihanna está de volta ao mundo da música com a inédita "Friend of Mine", faixa lançada nesta sexta-feira (16) como parte da trilha sonora oficial do novo filme Smurfs, da Paramount Pictures. A produção estreia nos cinemas brasileiros em 17 de julho.
A cantora também participa do longa como dubladora da personagem Smurfette, na versão original em inglês. No Brasil, o elenco de vozes conta com Bruno Gagliasso, Jennifer Nascimento, Diego Martins e Tatá Estaniecki.
Na nova aventura, Smurfette lidera os pequenos personagens azuis em uma missão no mundo real para resgatar Papai Smurf (voz de John Goodman), capturado pelos vilões Razamel e Gargamel. Com ajuda de novos aliados, os Smurfs precisam enfrentar desafios e descobrir seu verdadeiro propósito para salvar o universo.
O elenco internacional de dubladores inclui nomes como James Corden, Octavia Spencer, Sandra Oh, Amy Sedaris, Nick Kroll, Hannah Waddingham, Maya Erskine e até Kurt Russell.
Dirigido por Chris Miller, conhecido por seu trabalho nos filmes da franquia Shrek e no indicado ao Oscar Gato de Botas (2011), o filme é uma produção da Paramount Animation em parceria com Ty Ty e Jay Brown. O roteiro é assinado por Pam Brady.
"Smurfs" chega aos cinemas do Brasil no dia 17 de julho. A música "Friend of Mine" já está disponível nas principais plataformas de streaming.
São Paulo, 25 de abril de 2025 – Fãs de Ragnarök Online já podem garantir seus ingressos para o Ragnarok: The Orchestra Concert, que acontece em apresentação única no dia 14 de junho, às 19h30, no Teatro Bradesco, em São Paulo. As entradas estão disponíveis pela plataforma Uhuu e também podem ser adquiridas diretamente na bilheteria do teatro.
O espetáculo promete emocionar o público com 27 faixas icônicas da trilha sonora original do MMORPG, em arranjos especiais criados e regidos pela maestrina Sol Chin, com execução da Orquestra Sinfônica Villa-Lobos. Entre os destaques estão quatro versões inéditas, incluindo uma adaptação latino-americana para a clássica "Theme of Prontera".
Além da experiência musical, o evento oferecerá aos presentes um pacote VIP, contendo uma camiseta comemorativa exclusiva e códigos promocionais com recompensas para o jogo.
Gravity/Divulgação
Esta será a primeira vez que o Ragnarok: The Orchestra Concert será apresentado fora da Ásia — após edições limitadas na Coreia, Tailândia e Taiwan —, tornando a ocasião ainda mais especial para os fãs brasileiros.
O concerto também celebra o retorno oficial de Ragnarök Online à América Latina, com lançamento previsto para 28 de maio. Lançado originalmente em 2002 pela Gravity, o MMORPG conquistou uma legião de jogadores ao redor do mundo, incluindo o Brasil, onde estreou em 2004.
Para mais informações e atualizações, acompanhe Ragnarök Online LATAM nas redes sociais oficiais no Instagram, YouTube e TikTok.
Preparem-se para o rodeio e desbloqueiem a skin Cowboy que o álbum da Queen Bee já está na estrada.
Nos primeiros segundos do dia 29 de março, quando o relógio bateu 00:00, os fãs da cantora já estavam dando play no Act II de Beyoncé. Apostando em um ritmo novo, o country permitiu que Beyoncé inovasse dentro do mundo do POP. Interessantes, não é mesmo?
Muitos artistas, nos últimos tempos, têm explorados novas possibilidades e permitindo que seus fãs se adaptem a uma nova era, gostos e que descubram que um estilo possue diversas possibilidades de tornar algo único, personalizado e inesquecível, assim como a Beyoncé. Hoje a Revista Jovem Geek decidiu trazer uma análise crítica com algumas curiosidades e destaque para as melhores do 8 álbum de Beyoncé, confira:
Créditos: Rolling Stone
O novo álbum conta com 27 produções, todas extremamente marcantes com composições específicas. “YA YA”, uma das mais animadas do álbum, começa com uma apresentação das supostas back vocals de Bey e da banda, como uma apresentação em um rádio. Reparando até mesmo a qualidade do áudio inicial, faz com que sejamos transportados para o momento exato que Beyoncé planejou, realmente a sensação de estar ouvindo uma apresentação country em um rádio no Texas.
Nossa Queen não trabalha com a simplicidade e trouxe diversas mensagens em suas músicas, desde indiretas até homenagens e fatos importantes de sua trajetória. Na canção “JOLENE”, que está sendo a mais comentada, Beyoncé retrata novamente a traição que seu marido, Jay- Z teve há alguns anos. Anteriormente, a única música que falava sobre esse caso, era “Sorry”, composição do álbum Lemonade, nesse álbum, nossa Cowboy Carter refere-se a affair como no trecho: “He better call Becky with the good hair”. Caso queriam conferir o single 'Sorry' para entender a história: SORRY
Em seu último lançamento, Beyoncé referencia a tal amante como “Jolene”, música de autoria original de Dolly Parton. Cantora e compositora norte-americana conhecida por sua grande influência e conquistas do universo Country. No entanto, a letra original não é empoderada como a imagem e características pessoais de Beyoncé, que sempre reflete a importância da conquista de espaço feminino, família, e de ser uma rainha.
Créditos: São Bento em Foco
Diferente da verão original de “Jolene”, onde Dolly Parton em trechos como:
"Jolene, Jolene, Jolene, Jolene
I'm begging of you please don't take my man Jolene, Jolene, Jolene, Jolene...
Please don't take him just because you can..."
Refletindo que não quer perder o seu companheiro. Beyoncé, deixa claro que “Jolene” não é o suficiente para roubá-lo e destruir uma família. Afinal, ela conhece o seu marido melhor do que ele mesmo, confira o trecho:
“Jolene, Jolene, Jolene, Jonele.
Estou te avisando, não chegue perto do meu homem…
É preciso mais que beleza e olhares sedutores para interferir numa família e em um homem feliz…
Estamos profundamente apaixonados há 20 anos, eu criei aquele homem e seus filhos, eu o conheço melhor do que ele próprio…
Vá dar em cima de outra pessoa…”
O que vocês acharam dessa indireta, necessária ou repetitiva em um assunto que todo mundo já havia esquecido?
Créditos: Mundo Negro
Que o Brasil é notável pela cultura e harmonia, nós já sabemos. Ainda sim, estar incluídos no álbum com a famosa batida do funk carioca, é para entrar na história. Um ritmo que muitas vezes e por anos foi criticado por vir da periferia, estamos presentes e seremos lembrados pelo público global. “SPAGUETTII” tem o sample do funk “Aquecimento- Vem Vem Vai Vai”, do Dj O Mandrake, incrível não é mesmo?” Essa é particularmente uma das minhas favoritas, fiquei extremamente eufórica para conferir como o funk brasileiro seria trabalhado com o ritmo country, e ficou excepcional.
Inesperados e diversificados, assim são os feats em Cowboy Carter. Beyoncé produziu 8 composições com incríveis cantores e compositores, confira a lista:
Todas as composições possuem o mesmo estilo, o que pode ser consideravelmente um pouco genérico escutando todas em seguida. No entanto, na minha opinião, os feats foram as que mais se destacaram no álbum. Ouvir outras vozes em harmonia com a de Beyoncé, estilos diferentes, transformaram o Country em algo novo, como a mesma Beyoncé disse: “Não é um álbum country, é um álbum da Beyoncé”, dito e feito. Definir esse álbum apenas em country seria incontestável.
Créditos: TAG24
As composições de feat que mais chamaram atenção do público e críticos, foi a de Miley Cyrus e a de Post Malone. A parceria de Beyoncé e Miley Cyrus é uma das mais tranquilas de todo o álbum, remetendo uma nostalgia para as músicas que Miley cantava enquanto no papel de Hannah Montana. A letra é muito profunda e fala sobre apoio utilizando alguns termos country: “Know we’re humpin’ the gun, but we’re both still young” e “I'll be your shotgun rider 'til the day I die”. Diferentemente de Miley Cyrus, a produção com Post Malone foi separada em partes e Post aparece a partir do principal refrão.
As opiniões sobre a produção do álbum estão divididas, particularmente, considero que o ACT II foi mais diverso e bem produzido do que o ACT I. Inclusive, caso não tenham
percebido, como esse é o ACT II, em algumas canções que possuem o pronome “eu” em inglês, nesse caso “I”, estão duplicados e também foi usado para representar o número dois. Quantos detalhes não é mesmo?
Agora compartilhem com a gente, suas opiniões e quais são as composições favoritas de Cowboy Carter!
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